Vở ballet Nga 'Eugene Onegin' có hạng vé 20 triệu đồng: Thị trường nghệ thuật Việt Nam đang thay đổi?

Vở ballet Nga "Eugene Onegin" có hạng vé cao nhất 20 triệu đồng

Sau thành công của vở ballet “Anna Karenina” năm 2025, Eifman Ballet of St. Petersburg tiếp tục đưa một tác phẩm kinh điển khác của văn học Nga là “Eugene Onegin” tới Việt Nam.

Vở diễn sẽ có 8 đêm tại hai thành phố lớn. Tại TP.HCM, “Eugene Onegin” diễn 4 đêm từ ngày 21 đến 24/10 tại Nhà hát Hòa Bình. Sau đó, đoàn diễn 4 đêm tại Hà Nội, từ ngày 28 đến 31/10 tại Cung Văn hóa Lao động Hữu nghị Việt Xô. Các suất diễn bắt đầu lúc 19h30.

Chương trình được Bộ Văn hóa, Thể thao và Du lịch cấp phép. Vé mở bán từ ngày 26/6 trên Ticketbox, Ticketmelon, MetaTicket và TicketVN, chia thành 6 hạng, từ 500.000 đồng đến 20 triệu đồng.

Đáng chú ý, hai hạng vé cao nhất có giá 20 triệu đồng và 7 triệu đồng, dành cho số lượng ghế giới hạn tại khu vực trung tâm khán phòng, nơi có góc nhìn bao quát toàn bộ sân khấu.

Trong đó, hạng SVIP được ban tổ chức thiết kế với một quy trình phục vụ riêng, gồm lối vào riêng, khu vực tiếp đón và chụp ảnh trước giờ diễn, nhân viên hỗ trợ đưa khách vào chỗ ngồi, ấn phẩm lưu niệm của chương trình và cơ hội gặp gỡ nghệ sĩ sau đêm diễn. Đây cũng là nhóm hạng vé được xác định là trọng tâm của chương trình, đồng thời có số lượng ghế thấp nhất trong 6 hạng.

Với một chương trình ballet, khoảng cách giữa mức vé thấp nhất và cao nhất là khá lớn: 500.000 đồng và 20 triệu đồng. Nếu đặt con số 20 triệu đồng trong những lựa chọn chi tiêu phổ biến, đây có thể là giá của một chiếc điện thoại cao cấp, một thiết bị công nghệ đắt tiền hoặc một chuyến bay khứ hồi đi châu Âu. Nhưng ở đây, khoản tiền ấy được dùng để mua một trải nghiệm kéo dài khoảng hai giờ. Điều gì khiến một bộ phận khán giả sẵn sàng trả mức giá ấy cho một đêm nghệ thuật?

"Eugene Onegin" có gì đặc biệt?

“Eugene Onegin” của Boris Eifman ra mắt tại St. Petersburg ngày 3/3/2009 và đến nay đã được trình diễn tại hơn 40 quốc gia.

Nếu phải chọn một hình ảnh để tóm gọn cách Eifman đọc lại tác phẩm của Alexander Pushkin, có lẽ đó là cảnh mở màn của màn hai. Ánh đèn pha trực thăng quét ngang sân khấu, truy tìm kẻ vừa gây ra cái chết của Lensky. Không có những chiếc váy xòe kiểu quý tộc. Không có những lâu đài cổ điển của nước Nga thế kỷ 19. Thay vào đó là một xã hội đang lộn nhào.

Đó chính là lựa chọn của Boris Eifman khi tiếp cận tiểu thuyết thơ kinh điển của Pushkin. Ông giữ lại bộ khung cốt truyện về tình yêu, kiêu hãnh, lựa chọn và hối tiếc, nhưng chuyển toàn bộ câu chuyện sang nước Nga sau năm 1991 - thời điểm Liên Xô tan rã, hệ giá trị cũ sụp đổ và những quy tắc mới bắt đầu hình thành. Trong thế giới ấy, thứ quyết định vị thế của con người không còn là dòng dõi mà là tiền. Đây cũng là điểm khác biệt lớn nhất giữa “Eugene Onegin” của Eifman và nhiều bản dựng khác của tác phẩm.

Sau hơn 15 năm, “Eugene Onegin” vẫn được đưa đi biểu diễn tại nhiều quốc gia và trở thành một trong những tác phẩm tiêu biểu trong sự nghiệp của Eifman.

Boris Eifman gọi đây là một tác phẩm hướng tới giới trẻ. Thực tế tại nhiều thị trường cho thấy vở diễn có khả năng tiếp cận nhóm khán giả trẻ - những người vốn không phải đối tượng thường xuyên đến nhà hát ballet.

Đó là một trong những nghịch lý thú vị của Eifman: sử dụng một câu chuyện kinh điển, một nhà soạn nhạc kinh điển và ngôn ngữ ballet, nhưng lại cố tình đưa vào đó rock, hình thể mạnh, sân khấu hiện đại và những xung đột xã hội của thời đại mới.

Phần nhìn cũng quyết liệt không kém. Sân khấu do Zinovy Margolin thiết kế; phục trang do Olga Shaishmelashvili và Pyotr Okunev đảm nhiệm; ánh sáng do Gleb Filshtinsky thực hiện - những tên tuổi quen thuộc của sân khấu Nga đương đại.

Tatyana trong bản dựng có một trường đoạn lột xác thành một quý bà giàu xổi. Onegin kết thúc bằng một nhát dao là chi tiết vốn không có trong nguyên tác của Pushkin. Với Eifman, kinh điển không có nghĩa là bất khả xâm phạm.

4.000 vé “Anna Karenina” bán hết trong hơn hai tuần

Nếu “Eugene Onegin” đặt ra câu hỏi về khả năng chi trả cho nghệ thuật hàn lâm quốc tế, thì câu trả lời phần nào đã xuất hiện từ chính thị trường Việt Nam.

Tháng 9/2025, khi Dàn nhạc Giao hưởng Sài Gòn (SPO) cùng các đối tác mở bán vé vở ballet “Anna Karenina” của Eifman Ballet, kế hoạch ban đầu chỉ gồm 5 suất diễn tại TP.HCM và Hà Nội. Hơn hai tuần sau, toàn bộ 4.000 vé đã được bán hết. Ban tổ chức sau đó phải công bố thêm hai suất, một tại TP.HCM ngày 30/11 và một tại Hà Nội ngày 3/12, nâng tổng số lên 7 đêm.

Khi đó, đại diện ban tổ chức chia sẻ: “Nhìn số lượng vé khách đặt, chúng tôi mới thực sự nhận ra nhu cầu thưởng thức nghệ thuật của công chúng đang nở rộ”.

Sức mua của “Anna Karenina” không phải hiện tượng hoàn toàn đơn lẻ. Thực tế ở các lĩnh vực Âm nhạc với những concert thu hút hàng chục nghìn khán giả, Điện ảnh với doanh thu phòng vé trăm tỷ... đã chứng minh khán giả ngày càng sẵn sàng trả tiền cho những trải nghiệm không thể lặp lại.

Ballet cổ điển là một mảnh ghép đến muộn hơn trong xu hướng này, nhưng đây cũng là mảnh ghép có biên độ giá đáng chú ý: cùng một đêm diễn có thể có vé 500.000 đồng và cũng có vé 20 triệu đồng.

Khoảng cách ấy cho thấy thị trường không còn được nhìn như một khối khán giả duy nhất. Có người muốn một chỗ ngồi vừa túi tiền để thưởng thức nghệ thuật. Có người sẵn sàng trả cao hơn cho vị trí đẹp. Và cũng có nhóm khán giả coi một đêm diễn quốc tế như một trải nghiệm đặc biệt, sẵn sàng chi tiền cho dịch vụ, không gian, sự thuận tiện và cơ hội tiếp xúc trực tiếp với nghệ sĩ. Nói cách khác, thị trường biểu diễn đang hình thành nhiều tầng giá trị khác nhau cho cùng một sản phẩm nghệ thuật.

20 triệu đồng cho một đêm ballet có phải là quá cao? Đây có lẽ là câu hỏi gây tranh luận nhất khi thông tin về giá vé “Eugene Onegin” được công bố. Một tấm vé 20 triệu đồng chắc chắn không dành cho số đông, nhưng cũng không nhất thiết phải được nhìn như mức giá mà toàn bộ thị trường phải chấp nhận.

Trong mô hình 6 hạng vé của chương trình, mức thấp nhất là 500.000 đồng. Hạng 20 triệu đồng chỉ dành cho số lượng ghế rất giới hạn, nằm ở khu vực trung tâm khán phòng và đi kèm một chuỗi dịch vụ riêng.

Ở góc độ thị trường, điều đáng quan tâm không phải là việc có người mua vé 20 triệu đồng hay không, mà là việc thị trường có đủ rộng để đồng thời tồn tại cả vé 500.000 đồng lẫn vé 20 triệu đồng hay không. Và thành công của “Anna Karenina” cho thấy câu trả lời đang dần là có.

Đằng sau một buổi diễn như “Eugene Onegin” không chỉ là nghệ sĩ đứng trên sân khấu. Đó là cả một hệ thống sản xuất, tổ chức, kỹ thuật và vận hành của nghệ thuật sân khấu.

Trong chiến lược phát triển công nghiệp văn hóa, sân khấu được xác định là một trong những lĩnh vực có dư địa lớn. Muốn tiến tới chuẩn mực quốc tế thì trước hết phải được nhìn thấy chuẩn mực ấy vận hành. Những chuyến lưu diễn như của Eifman Ballet, vì thế, mang ý nghĩa vượt khỏi phạm vi một sự kiện giải trí. Đây là cơ hội để khán giả và giới chuyên môn trong nước được trải nghiệm trực tiếp, ở khoảng cách gần nhất, điều mà lâu nay phần lớn chỉ tiếp cận qua tư liệu.

Một đoàn ballet quốc tế mang tới Việt Nam hơn 100 nghệ sĩ, hàng chục kỹ thuật viên và hàng chục tấn thiết bị sân khấu không chỉ để thực hiện một vài đêm diễn. Đó còn là một quy trình sản xuất nghệ thuật được đưa vào vận hành trực tiếp trước mắt khán giả và giới chuyên môn trong nước.

“Anna Karenina” năm 2025 cho thấy công chúng Việt Nam có nhu cầu đối với những chương trình nghệ thuật hàn lâm quốc tế quy mô lớn. “Eugene Onegin” năm 2026 là bước tiếp theo để kiểm chứng nhu cầu đó.

Thành công của “Anna Karenina” đã cho thấy nhu cầu. “Eugene Onegin” sẽ là một phép thử tiếp theo, không chỉ với Eifman Ballet mà còn với chính thị trường nghệ thuật Việt Nam.